Krótka historia powstania kina radzieckiego

2024 Autor: Seth Attwood | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 16:14

Kontynuujemy nasz przewodnik po historii kina rosyjskiego. Tym razem analizujemy drugą połowę epoki sowieckiej: od odwilży i „nowej fali” po kino kooperatywne i nekrorealizm.

Ostatnim razem przyjrzeliśmy się pochodzeniu rodzimego kina, jak wpłynęła na nie rewolucja, wojna i polityka, przypomnieliśmy główne odkrycia estetyczne i techniczne nowinki tamtych czasów. W tym artykule zwracamy się do okresu odwilży Chruszczowa i trudnych lat dziewięćdziesiątych.

1950-1960

Śmierć Józefa Stalina w marcu 1953 roku stała się punktem zwrotnym w historii i życiu całego ZSRR i oczywiście znalazła odzwierciedlenie w kinie. W ramach zmiany kursu politycznego niemal natychmiast zreorganizowano system zarządzania kulturą. Zlikwidowano m.in. Ministerstwo Kinematografii, a kino przekazano do wydziałów podległych Ministerstwu Kultury. Ważną tego konsekwencją było względne osłabienie kontroli państwa.

Kolejnym wydarzeniem, które utrwaliło kurs ku liberalizacji, złagodzeniu cenzury i poszerzeniu zakresu wolności twórczej, był XX Zjazd KPZR w lutym 1956 r., na którym skrytykowano kult jednostki Stalina. W tym okresie spotkania urzędników z filmowcami stały się szczególnym sposobem interakcji między państwem a kinem.

Największe i najbardziej znaczące spotkania odbyły się w Domu Przyjęć na Wzgórzach Lenina w Moskwie w 1962 roku oraz w Sali Swierdłowskiej Kremla w 1963 roku. Na ostatnim wydarzeniu twórczym postaciom udało się obronić potrzebę utworzenia Związku Autorów Zdjęć Filmowych (powstał dwa lata później). Jednocześnie podjęto decyzję o przekazaniu kinematografii pod jurysdykcję Kina Państwowego, co de facto oznaczało powrót dokładniejszej kontroli nad kinematografią. Państwowa Agencja Filmowa będzie nadzorować rozwój kina w kraju do końca istnienia ZSRR.

Kino domowe połowy lat 50. - koniec lat 60. to kino odwilży. Sowiecka kinematografia w tych latach aktywnie się odnawia, odkrywając nowe tematy i możliwości techniczne. Pod wieloma względami proces ten opiera się na polemikach z postawami artystycznymi kina Stalina.

Autorzy odchodzą od "bezkonfliktowych", "lądowych" i "lakierowania rzeczywistości" na rzecz bardziej realistycznej lub bardziej poetyckiej kinematografii. Jednocześnie sowieccy reżyserzy pozostają pod silnym wpływem zarówno kina zagranicznego – włoskiego neorealizmu, polskiej szkoły, francuskiej „nowej fali” – jak i rodzimej – rewolucyjnej awangardy lat 20. XX wieku

Kinematografia staje się coraz bardziej humanistyczna. Główny ekranowy bohater epoki to „zwykły człowiek”, który zresztą odmładza się znacznie w porównaniu z bohaterami poprzedniej epoki. Autorzy zwracają się ku jego osobowości, czynią go jaśniejszym psychicznie, ciekawszym i bardziej różnorodnym. Następnie zmienia się ekranowy model społeczeństwa. Jeśli wcześniej główną relacją był „przywódca – ludzie”, teraz jest to rodzina.

Wiodącym gatunkiem jest współczesny dramat, który przedstawia codzienne życie zwykłych ludzi. Gatunek pozwala ujawnić aktualne konflikty i dojść do potwierdzenia uniwersalnych ludzkich wartości, ukazać realia życia i je upoetyzować. Typowe taśmy: „Wiosna na ulicy Zarechnaya”, „Wysokość”, „Kiedy drzewa były duże”, „Dziewięć dni w roku”, „Taki facet żyje”.

Wpływ podejścia dokumentalnego widoczny jest w takich filmach jak „Inne dzieci”, „Krótkie spotkania”, „Skrzydła”, „Historia Asi Klyachiny, która kochała, ale nie wyszła za mąż”. W niektórych obrazach autorzy tworzą rodzaj portretu epoki i portretu pokolenia. Na przykład w „Chodzę po Moskwie”, „Miłość”, „Czułość”, „Trzy dni Wiktora Czernyszowa”. Dzieła Marlena Chutsjewa: „Mam 20 lat” („Placówka Iljicza”) i „Lipcowy deszcz” stają się symbolami odwilży (odpowiednio jej rozkwitu i zachodu słońca).

Zaktualizowana komedia radziecka opiera się głównie na współczesnym temacie życia codziennego. Leonid Gaidai działa w ekscentrycznym kierunku gatunku: „Operacja” Y „i inne przygody Shurika”, „Więzień Kaukazu”, czy „Nowe przygody Shurika”, „Diamentowa ręka”. Eldar Ryazanov tworzy afirmujące życie komedie: „Noc karnawałowa”, „Strzeż się samochodu”, „Zygzak fortuny”. Komedia Georgy Danelii - smutna: „Seryozha”, „Trzydzieści trzy”. Warto zwrócić uwagę na komedię satyryczną Elema Klimowa („Witamy, czyli zakaz nieautoryzowanego wejścia”, „Przygody dentysty”) oraz komedię muzyczną Rolana Bykowa („Aibolit-66”), a także „Maxim Perepelitsa”, "Nieustępliwi", "Dziewczyny" …

Innym ważnym gatunkiem epoki jest dramat wojenny. Od epiki, konwencji i schematyzmu filmów wojennych Stalina autorzy przechodzą do dramatu poszczególnych losów. Nowy, tragiczny obraz wojny i antywojenne przesłanie tworzą takie filmy jak „Latają żurawie”, „Dom, w którym mieszkam”, „Los człowieka”, „Ballada o żołnierzu”, „Pokój nadchodzącym”, „Dzieciństwo Iwana”, „Żyjący i umarli”, „Ojciec żołnierza”.

Wojnę i fenomen nazizmu ujmuje wielkoformatowy film dokumentalny „Zwykły faszyzm”. W głównym nurcie humanizacji następuje przemyślenie na nowo wątków historyczno-rewolucyjnych ważnych dla kina radzieckiego: „Paweł Korczagin”, „Czterdzieści pierwszy”, „Komunista”, „Pierwszy nauczyciel”, „Nie ma brodu w ogniu”, „Dwóch towarzyszy służyło”.

Literatura klasyczna ponownie staje się potężnym źródłem inspiracji dla filmowców. Na ekran zostaje przeniesionych wiele epickich dzieł autorów rosyjskich i zagranicznych: Idiota, Bracia Karamazow, Wojna i pokój; Otella, Don Kichota, Hamleta.

Następuje zmiana pokoleniowa – nadchodzi pokolenie młodych filmowców, frontowych żołnierzy i „dzieci wojny”: Grigorij Czuchraj, Siergiej Bondarczuk, Aleksander Ałow i Władimir Naumow, Andriej Tarkowski, Wasilij Szukszyn, Marlen Chucjew, Gleb Panfiłow, Andriej Konczałowski, Larisa Shepitko, Elem Klimov, Alexander Mitta, Andrey Smirnov, Gennady Shpalikov, Sergey Parajanov, Tengiz Abuladze i wielu innych.

Jednak swoje najlepsze i najważniejsze filmy epoki tworzą także weterani sowieckiego kina: Michaił Romm, Michaił Kałatozow, Julij Raizman, Iosif Chejfits, Aleksander Zachri, Grigorij Kozincew, Siergiej Gerasimwo, Iwan Pyriew i inni

Zmieniają się też oblicza sowieckiego kina. Nadchodzi nowe pokolenie aktorów: Nikołaj Rybnikow, Nadieżda Rumiancewa, Aleksiej Batałow, Innokenty Smoktunowski, Andriej Mironow, Jewgienij Jewstigniejew, Tatiana Samojłowa, Wasilij Łanowoj, Wiaczesław Tichonow, Ludmiła Gurczenko, Tatiana Jewsigniew Doronina, Oleg Tabakow, Jewgienij Leonow, Stanisław Lubszin, Wasilij Szukszyn, Jurij Nikulin, Michaił Kononow, Anatolij Sołonicyn, Inna Czurikowa, Nikita Michałkow i wielu innych.

O ile kino późnego stalinizmu było skrajnie akademickie, wykluczające manifestację indywidualnego stylu autorskiego, o tyle teraz twórcy stają się coraz swobodniejsi w środkach wyrazu. Kinowy język obrazów wzbogacony jest mnożeniem technik, takich jak kamery ręczne i subiektywne, skróty perspektywiczne, monolog wewnętrzny, podwójna ekspozycja, rozdarty montaż i tak dalej.

Operator Sergei Urusevsky osiąga szczególne wyżyny w dziedzinie wizualnej ekspresji („Lecą żurawie”, „Niewysłany list”, „Jestem Kubą”). Warto też zauważyć, że kino wczesnej odwilży było głównie kolorowe, ale od drugiej połowy lat 50. kolor szybko zanika, a kino lat 60. znów staje się głównie czarno-białe. Było to spowodowane względami ekonomicznymi, nieistotną jakością rodzimego filmu kolorowego, a także ciążeniem ku dokumentowi, który kojarzył się z b/w.

Powstało szereg niezwykłych pod względem efektów specjalnych zdjęć. Ciekawą postacią pod tym względem jest Pavel Klushantsev, który połączył kino popularnonaukowe z kosmicznym science fiction: Droga do gwiazd, Planeta burz. Również pod względem efektów specjalnych warto zwrócić uwagę na takie filmy jak „Amphibian Man” i „Viy”.

Specyficzny kierunek kina radzieckiego to malarsko-poetycki, skłaniający się ku symbolizacji rzeczywistości. Ciekawe, że takie obrazy często opierają się na legendach i rytualno-rytualnym przedstawieniu: „Cienie zapomnianych przodków”, „Kolor granatu”, „Wieczór w wigilię Iwana Kupały”, „Kamienny krzyż”, „Modlitwa”.

Wielkość produkcji filmowej wzrasta wielokrotnie. Tak więc, jeśli w 1951 (roku okresu „małych obrazów”) nakręcono dziewięć filmów, to w latach 60. średnia liczba krajowych filmów wyprodukowanych rocznie wynosiła 120-150. Kino się rozwija.

Mimo liberalizacji filmowcy nadal borykają się z restrykcjami cenzury, a od 1965 roku „półka” zakazanych filmów jest ponownie uzupełniana. Gotowe obrazy „Zaciśnięty węzeł”, „Oblubieniec z innego świata”, „Posterunek Iljicza” przeszły znaczące redakcje cenzury. Wśród pierwszych zabronionych obrazów - „Wiosna dla spragnionych”, „Zły żart”, „Długie pożegnanie”, „Komisarz”, „Perworosjan”, „Początek nieznanego wieku”, „Andriej Rublow”.

Odnowiona kinematografia radziecka zyskuje uznanie na całym świecie. Lecą żurawie w 1958 roku zostały nagrodzone Złotą Palmą na Festiwalu Filmowym w Cannes (jedyne zwycięstwo kina rosyjskiego w Cannes), a Iwan's Childhood w 1962 roku otrzymało Złotego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji.

lata 70.-pierwsza połowa lat 80

Okres od końca lat 60. do połowy lat 80. jest dla kina radzieckiego dość niejednoznaczny. Z jednej strony to właśnie w tym czasie nakręcono znaczną część filmów uważanych za „złoty fundusz” kina rosyjskiego. Z drugiej strony w tym okresie stopniowo nasilały się zjawiska kryzysowe. Frekwencja kinowa spadła, presja cenzury była często nadmierna, a jakość artystyczna stopniowo się pogarszała, dlatego czołowi filmowcy na początku lat 80. dostrzegli problem – dominację tzw. „szarych filmów”. Prawdopodobnie najbardziej udaną charakterystyką tego okresu jest „rozkwit stagnacji”.

System gatunkowy pozostaje mniej więcej taki sam jak w latach 60. XX wieku. Ale indywidualne podpisy i style reżyserów stają się coraz bardziej oczywiste. Najbardziej znaczącym i oryginalnym autorem w tym kontekście jest Andrei Tarkowski, który w tym okresie kręcił Solaris, Mirror, Stalker i Nostalgia. Jego obrazy wyróżniają się szczególnym podejściem do pracy z czasem, złożonością konstrukcji, metaforycznym obrazowaniem i filozoficzną głębią.

Alexey German eksploruje złożone momenty historii, odwołując się do drobiazgowej rekonstrukcji i maksymalnego zanurzenia się w kręconych wydarzeniach: „Sprawdzanie na drogach”, „Dwadzieścia dni bez wojny”, „Mój przyjaciel Iwan Łapszyn”. Ze względu na wzmożoną dbałość o realia życia i oryginalność języka filmowego Herman staje się jednym z najbardziej zakazanych reżyserów sowieckich.

Elem Klimov tworzy szereg różnorodnych obrazów, które łączy ekspresyjny cykl malarski, czarny humor, motyw poszukiwań moralnych, historyczny przełom i zbliżająca się apokalipsa: „Agonia”, „Pożegnanie”, „Przyjdź i zobacz”.

W dziedzinie retro (z domieszką groteski i postmodernizmu) pracuje Nikita Michałkow, woląc oprzeć się na historii lub solidnej podstawie literackiej: „Jeden z naszych wśród obcych, obcy wśród naszych”, „Niewolnik miłości”, „Utwór niedokończony na fortepian mechaniczny”, „Pięć wieczorów”, „Kilka dni z życia I. I. Oblomova”.

Wasilij Szukszyn („Ławki piecowe”, „Kalina Krasnaya”), Andrey Smirnov („Stacja Białoruska”, „Jesień”), Andrey Konczałowski („Romans zakochanych”, „Syberiada”), Gleb Panfiłow („Początek”, „Ja poprosić o słowa”, „Temat”), Vadim Abdrashitov („Polowanie na lisy”, „Pociąg się zatrzymał”), Roman Balayan („Loty w snach i w rzeczywistości”), Siergiej Mikaelyan („Nagroda”, „Zakochany dobrowolnie”), Władimir Mienszow („ Moskwa nie wierzy we łzy”), Siergiej Sołowjow („ Sto dni po dzieciństwie”), Rolan Bykow („ Strach na wróble”), Dinara Asanova („ Dzięcioł nie boli głowy”).

„Wakacyjną komedię” ostatecznie zastępuje satyra i przypowieść tragikomedii. Komicy Leonid Gajdai (12 krzeseł, Iwan Wasiljewicz zmienia zawód, Sportloto-82), Eldar Ryazanov (Starzy rabusie, Ironia losu, czyli ciesz się kąpielą!), Office Romance "," Garage "), Georgy Danelia (" Afonya " „Jesienny Maraton”, „Płynęły łzy”)

Wśród nowych komików: Vladimir Menshov (Miłość i gołębie), Mark Zacharov (Zwykły cud, Ten sam Munchausen), Viktor Titov (Cześć, jestem twoją ciocią!). Nazwy tych ostatnich wiążą się z rozwojem formatu filmu telewizyjnego.

Motyw militarny okazuje się niezwykle owocny dla obrazów o tragicznym charakterze. Aleksiej German usuwa „Sprawdź na drogach” i „Dwadzieścia dni bez wojny”, Leonid Bykow – „Tylko” starcy” i „Aty-baty, żołnierze szli…”, Siergiej Bondarczuk – „Walczyli za Ojczyznę”, Larisa Shepitko - „Podejście”.

„Come and See” Elem Klimovej kładzie niejako kres ujawnianiu tragicznego potencjału tematu. Jednocześnie państwo aktywnie wspiera schematyczne epopeje wojenne, takie jak wielkoformatowe, wieloczęściowe „Wyzwolenie” Jurija Ozerowa.

Podstawą eksperymentu pozostają klasyki literatury. Niezwykłe adaptacje filmowe wielkich pisarzy tworzą Andriej Konczałowski („Szlachetne gniazdo”, „Wujek Wania”), Siergiej Sołowjow („Jegor Bułyczew i inni”, „Zawiadowca”), Lew Kulidzhanow („Zbrodnia i kara”).

Niektórzy reżyserzy specjalizują się w kinematografii gatunkowej: Alexander Mitta, Boris Yashin, Tatiana Lioznova, Sergei Mikaelyan. Powstają główne sowieckie hity - spektakularne filmy o szczególnej złożoności inscenizacji, które cieszą się dużą popularnością wśród widzów. Wśród nich są „Piraci XX wieku” i „Załoga”.

Podejmowane są próby stworzenia alternatywnych modeli robienia filmów. Na przykład w Mosfilm zorganizowano eksperymentalne stowarzyszenie kreatywne kierowane przez Grigorija Chukhrai. Opierał się na zasadzie samowystarczalności. Efektem dekady (1965-1976) pracy stowarzyszenia były przebojowe obrazy „Białe słońce pustyni”, „Niewolnik miłości”, „Tabor idzie do nieba”, „Iwan Wasiljewicz zmienia zawód”, „12 Krzesła”, „Ziemia Sannikowa” i inne.

Wśród nowych gwiazd sowieckiego ekranu w tych latach można wymienić Olega Jankowskiego, Aleksandra Abdułowa, Olega Dala, Irinę Murawiową, Leonida Kurawlewa, Donatasa Banionisa, Anatolija Kuzniecowa, Margaritę Terekhovą, Irinę Kupczenko, Marinę Niejełowa, Jurija Bogatyrewa, Olega Basiuilaszwilego, Natalia Kaidanovsky, Leonid Filatov i inni

Okres ten upłynął pod znakiem wielu wielkich zwycięstw kina radzieckiego na światowym poziomie. W 1977 roku na Festiwalu Filmowym w Berlinie Larisa Shepitko otrzymuje Złotego Niedźwiedzia ze Wzniesieniem. W latach 1969-1985 sowieckie kino było dziewięciokrotnie nominowane do Oscara i trzykrotnie zdobywało nagrody: Wojna i pokój, Derza Uzala i Moskwa nie wierzy we łzy.

W odniesieniu do losu kina i wielu filmowców państwo prowadzi politykę drobnej kurateli i arbitralności. Konflikty przybierają czasem bardzo skrajne formy. Na przykład Siergiej Paradżanow trafia do więzienia, a Kira Muratova ma zakaz wykonywania zawodu. Michaił Kalik, Boris Frumin, Sława Cukerman, Michaił Bogin, Andriej Konczałowski, Andriej Tarkowski zostają zmuszeni do emigracji.

Na początku tego okresu „półka” była dość aktywnie uzupełniana (szczyt przypadał na 1968 r., kiedy dziesięć filmów zostało jednocześnie zakazanych). Wśród obrazów zabronionych można wymienić "Interwencja", "Szaleństwo", "Kolor granatu", "Sprawdzanie na drogach", "Łódź po Iwanowie", "Błędy młodości", "Samotny głos mężczyzny", „Temat”, „Las”, „Mój przyjaciel Ivan Lapshin”,„ Żałobna niewrażliwość”,„ Pokuta”.

Stopniowo liczba zakazanych filmów malała, ponieważ precenzura na poziomie scenariusza działała coraz skuteczniej.

Druga połowa lat 80

Po raz kolejny procesy polityczne otworzyły nową kartę w historii kina rosyjskiego. Rok po ogłoszeniu pierestrojki przez Michaiła Gorbaczowa w maju 1986 r. odbył się V Kongres Związku Autorów Zdjęć Filmowych, na którym ostro skrytykowano biurokratyczną centralizację produkcji filmowej, ideologiczną kontrolę nad twórczością i inne charakterystyczne dla sowietów ekscesy. Następnie rozpoczęto proces denacjonalizacji kina, w tym w 1989 r. dopuszczono prywatną produkcję i dystrybucję filmów.

Rozpoczyna się krótki okres "wieloobrazu" (1990 rok staje się rokiem szczytowym pod względem liczby kręconych filmów - 300), który był jednocześnie bogaty i kryzysowy. Równolegle z przełamywaniem cenzury i wolności twórczej kino odrywa się od widza, niepotrzebnie skupiając się na zadaniach wewnętrznych, ostro upolityczniając i koncentrując się na odzwierciedleniu depresyjnych stron przeszłości i teraźniejszości. Do tego dochodzi napływ personelu o niskich kwalifikacjach (np. w kinie spółdzielczym), co prowadzi do spadku jakości artystycznej i technicznej.

Obrazy o tematyce współczesnej malują obraz „niespokojnych” czasów, odsłaniając wątek straty, osobistych dramatów i są wyraźnie tworzone z pesymistycznym nastawieniem. W skrajnych formach ten rodzaj kinematografii nazywany jest „chernukha”. Główni bohaterowie są „poniżani i znieważani”: outsiderzy, bezdomni, narkomani, prostytutki i tak dalej. Kultowe taśmy tego rodzaju: „Little Faith”, „Tragedy in Rock Style”, „Lalka”, „Szklany Labirynt”, „Igła”, „Syndrom Asteniczny”, „Szatan”.

Szczególne miejsce zajmuje temat wojny afgańskiej: „Noga”, „Afgańska przerwa”. Równolegle następuje „eksplozja” ostrego dokumentu społecznego, wyrażającego tendencje kryzysowe państwa socjalnego: „Sąd Najwyższy”, „Czy łatwo być młodym?”

W nurcie tragikomedii współczesny wątek został rozwiązany w filmach Kurier, Zapomniana melodia na flet, Obiecane niebo, Intergirl, Taxi Blues. Ogólnie rzecz biorąc, w gatunku komediowym udział ekscentryczności wyraźnie rośnie, co jest odczuwalne w pracach Georgy Danelii („Kin-dza-dza”), Leonida Gaidai („Prywatny detektyw, czyli operacja „Współpraca”), Yuri Mamin („Fontanna”, „Baki”), Leonid Filatov („Dzieci suk”), Ałła Surikova („Człowiek z bulwaru kapucynów”).

Kino spółdzielcze specjalizuje się głównie w komedii. Filmy te charakteryzują się niskim budżetem, kiepskim humorem i motywami seksualnymi. Liderem regionu zostaje reżyser Anatolij Eyramdzhan („Kobieta”, „Mój Żeglarz”).

Kluczowe miejsce zajmuje wątek historyczny – autorzy starają się zmierzyć się z problemami, o których wcześniej nie można było mówić. Poruszane są tematy represji, kultu jednostki, przestępczości i terroru państwowego, nieładu społecznego i domowego. Są to między innymi "Serce psa", "Jutro była wojna", "Święto Belszazzara, czyli noc ze Stalinem", "Zimne lato pięćdziesiątego trzeciego…", "Złota chmura spała…", „Królewobójstwo”, „Wewnętrzny krąg”, „Zagubieni na Syberii”, „Zamrożenie-wskrzeszenie”.

Dla wielu reżyserów nowa era otwiera możliwości odważnych eksperymentów z formą filmową. Siergiej Sołowjow kręci „trylogię mrazmatyczną”: „Assa”, „Czarna róża – symbol smutku, czerwona róża – symbol miłości”, „Dom pod rozgwieżdżonym niebem”. Sergei Ovcharov tworzy absurdalne satyryczne opowieści: „Lefty”, „It”. Konstantin Lopushansky ("Listy martwego człowieka"), Alexander Kaidanovsky ("Żona naftowca") mają formę przypowieści. Oleg Teptsov („Mister projektant”) nawiązuje do spuścizny kina przedrewolucyjnego.

Wyróżnia się twórczość Aleksandra Sokurowa („Dni zaćmienia”, „Ocal i zachowaj”, „Drugi krąg”), która nie została zbudowana przez dekonstrukcję ogólnie przyjętych tradycji kina

Z podziemia wychodzą przedstawiciele kina równoległego i neorealizmu, reżyserzy, którzy od lat 70. nielegalnie, w partyzancki, półamatorski sposób kręcą krótkie filmy o radykalnych treściach (najczęściej o przemocy, śmierci i perwersji). Z podziemia, przy wsparciu Aleksieja Germana i Aleksandra Sokurowa, autorzy dotarli do głównych studiów filmowych w kraju: na Mosfilmie nakręcili „Someone Was Here” braci Alejnikowów, a na Lenfilm – „Rycerze niebios” Jewgienija Jufita i „Przekroczenie towarzysza Czkałowa przez biegun północny” Maksyma Peżemskiego.

Siergiej Seljanow również wyszedł z kina podziemnego. Od początku lat 80. nakręcił sam film „Dzień Anioła”, który pod koniec dekady otrzymał wsparcie „Lenfilm”. W rzeczywistości można go uznać za pierwszy sowiecki film niezależny.

I wreszcie zauważamy pojawienie się festiwalu filmowego, który stał się głównym pokazem kina narodowego, a następnie odegrał znaczącą rolę w rozwoju kina rosyjskiego. W 1990 roku Kinotavr został zorganizowany przez Marka Rudinsteina i Olega Jankowskiego.