Rosyjskie rękodzieło jako sztuka na ekspozycjach muzeów

2024 Autor: Seth Attwood | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 16:14

Historycy uważają, że pierwsze twórcze impulsy 32 000 lat temu doświadczył człowiek, być może szaman, który malował sceny myśliwskie na podziemiach Jaskini Chave.

Ale ty i ja wiemy, że ta natchniona artystka była ubrana w futrzane ubrania, z miłością uszyte przez kobiece dłonie ze zwierzęcych skór. Prawdopodobnie igła do kości. I być może prymitywny shovchik został zrobiony nie tylko jak na krawędzi, ale z genialną żyłką, artystycznym szwem … na przykład koza.

I bez względu na to, co krytycy sztuki mówią o wtórnym charakterze sztuki ludowej, powstała i zajęła bardzo ważne miejsce w życiu człowieka znacznie wcześniej niż zaczęli tworzyć artyści natchnieni.

28 000 tysięcy lat temu na terenie zimnej Rosji pochowano szamana z dwójką dzieci. Szaty tych czcigodnych zmarłych były ozdobione tysiącami paciorków z kości słoniowej. Do produkcji których potrzebne były wysiłki kilkudziesięciu osób. Oznacza to, że szczególnie piękne, haftowane i wyszywane koralikami ubrania były niezbędne nie tylko w tym życiu, ale także w długiej podróży do tamtego świata…

Nić się rozciąga, kulka toczy się…

Kiedy ludzie nauczyli się robić na drutach, nikt nie może być pewien. Najstarszy wyrób dziany z III wieku. AD, znaleziony w Peru - pięknie dziany pasek z motywem kolibra. Grobowce koptyjskie w Egipcie zachowały obiekty związane z IV-V wieku. OGŁOSZENIE Jak dziecięca skarpetka z kolorowej wełny. A w jednym germańskim grobowcu z tego samego okresu niepocieszeni krewni umieścili zestaw igieł do robienia na drutach.

Ale czy kamizelka ze skarpet nie była dziana przed nową erą? Oczywiście robili na drutach, tylko bardziej starożytnych, pierwotnych, zgniłych dawno temu.

Pozostały tylko rysunki. W grobowcu Amenemchta w Beni Hasan (XIX w. p.n.e.) odkryto malowidło ścienne przedstawiające cztery semickie kobiety ubrane w żakiety z dzianiny. W ruinach pałacu Senacheryba w Niniwie znaleziono płaskorzeźbę wojownika w skarpetkach, bardzo podobną do współczesnych.

I istnieje opinia, że dziewiarstwo było znane już w czasie tworzenia „Odysei” Homera. Po prostu z powodu niedokładności tłumaczy i skrybów słowa „dzierganie” zastąpiono „tkaniem”. Pamiętajcie, Penelope obiecała zniecierpliwionym panom młodym, że wyjdzie za mąż, gdy tylko suknia ślubna będzie gotowa, ale w nocy rozpuści to, co utkała w dzień… tylko dzianinę. A na starożytnych greckich wazach z czasów wojny trojańskiej widnieją wizerunki szlachty w obcisłych, obcisłych spodniach, przypominających dzianinowe rajstopy z garderoby weneckich dożów, żyjących 2500 lat później.

Tkactwo i hafty słynęły już w starożytnym Egipcie, o czym świadczą znaleziska umiejętnie haftowanych tkanin i ozdób w grobowcach faraonów. Ale robienie na drutach jest znacznie łatwiejsze - nie jest potrzebny żaden specjalny sprzęt. Początkowo robili na drutach na ogół na palcach, dopiero później zaczęli używać drutów lub ramek (ten rodzaj dziania bywa nazywany egipskim).

Dlaczego nie znaleziono dzianin z tamtego okresu? Ponieważ dzierganie ręczne jest krótkotrwałe i słabo zachowane. Ponadto dzianiny musiały być noszone przez ludzi skromnych i dla nich ważne jest, aby stare ubrania można było poluzować, a inne zrobić na drutach. W takim przypadku wytrzymałość przędzy jest naturalnie zmniejszona.

Ku zazdrości pająków

W dawnych czasach każda wieśniaczka nie mogła się powstrzymać od robótek ręcznych. Aby ubrać rodzinę, trzeba było tkać, haftować, tkać. Szczególnie zręczni byli zaangażowani w produkcję stroju mistrza.

Po raz pierwszy rosyjska koronka jest wymieniona w Kronice Ipatiewa, gdzie nazywa się je złotem. Ponieważ koronka była wtedy tkana ze złotej i srebrnej nici. Do nas sprowadziły się liczne wyroby koronkarskie z XVI wieku – w połączeniu ze złotym haftem, brokatem i kamieniami szlachetnymi. Wtedy docenili nie tyle umiejętną pracę, ile sam materiał. A nawet sprzedawali koronki na wagę.

Kremlowska Zbrojownia zawiera sukienkę na królewskie wyjście cesarzowej Katarzyny II, wykonaną z najlepszej srebrnej koronki. Cesarzowa założyła go tylko raz ze względu na jego wygórowaną wagę – ponad funt.

W XVII-XVIII wieku w krajach europejskich drogie złoto-srebrne koronki zostały zastąpione demokratyczną koronką. Szybko stały się modne, delikatne koronkowe fale pokochały wszystkich: królów i karczmarzy, oficerów i mnichów, księżniczki i wieśniaczki. Nawet piraci. W miejscu ich powstania pojawiło się wiele rodzajów koronek: "volanciennes", "Bruksela" i najbardziej niesamowita, drogocenna - "Brabant". Pamiętaj, u Gumilowa: „Albo znalezienie zamieszek na pokładzie, wyrwanie pistoletu z pasa, aby złoto spadło z koronki, z różowawych mankietów Brabancji …”

Brabanckie mankiety tkano z lnu, który rósł tylko na polach Brabancji (Belgia) i dawał nić o delikatnym różowym odcieniu. Tylko dziewczętom o delikatnych palcach powierzono przędzenie lnu. W wilgotnych piwnicach, aby kabel był mokry, a nić elastyczna i cienka.

Cesarz Piotr I nakazał w 1725 r. zakonnice-rzemieślniczki z Brabancji, aby w klasztorze Nowodziewiczy uczyły osierocone dziewczęta tkania koronek. A poddani od rana do wieczora dzwonili szpulkami, dekorując życie swoich panów wyjątkowymi produktami.

Dostępność materiału i wszechstronność zastosowania sprawiły, że koronka klockowa stała się naprawdę popularna. Pochodząca z Europy „niemiecka” koronka została ubarwiona tak bogatym wynalazkiem, taką różnorodnością ozdób, tak wtopioną w słowiańską tradycję ludową, że przeszła do historii kultury światowej pod nazwą „koronki rosyjskie”.

Głównymi ośrodkami koronkarstwa były Wołogda, Ryazan, Yelets, Vyatka, Belev, Kirishi. Teraz prawie cała rosyjska koronka nazywa się koronką Wołogdy. W rzeczywistości jednak różne ośrodki koronkarstwa zachowały swoją oryginalność.

Charakterystyczna dla Wołogdy koronka to wzór, w którym złote, srebrne, kolorowe nici są używane tylko w kratach. Rytm obrazu jest spokojny, linie miękkie, zaokrąglone. Koronkę eletową cechuje lekkość i delikatność, zdobienie wykonywane jest z częstym wykorzystaniem siateczki na przezroczystym, przezroczystym tle. Z kolei koronka kirish składa się z przezroczystej kraty na ciężkim tle. Koronka Ryazan wyróżnia się rozwojem jasnych kompozycji kolorystycznych.

Współczesne szwaczki ożywiły słynną w przeszłości koronkę Balachna, złoty haft „gipiurę Niżny Nowogród”. Nici lniane, bawełniane, wełniane, jedwabne, nylonowe mają szerokie zastosowanie, łączą w jednym produkcie nici o różnej fakturze, co pozwala na tworzenie oryginalnych, nowoczesnych produktów.

Ale na Syberii tkanie na szpulkach nie rozprzestrzeniło się tak szeroko. Wiele osób szydełkuje, ale tylko nieliczni entuzjaści mogą tkać koronki Wołogdy. Ta praca wymaga dużo cierpliwości i wytrwałości.

Cenne płótna

Sztuka robienia gobelinów również ma długą historię. Nie ma dokładnej daty i miejsca powstania pierwszego gobelinu, ale sama zasada tkania była znana starożytnym Egipcjanom. Do nas trafiły fragmenty obić meblowych i tapet z pochówków z III wieku.

Najwcześniejsze zachowane arrasy europejskie są niemieckie. Tkano je w klasztorach lub w domu. W tych samych zamkach. W budynkach z zimnego kamienia panele nie tylko ozdobiły pomieszczenia, ale także pomogły je przynajmniej trochę zaizolować.

Arrasy przedstawiały postacie baśniowe, sceny rodzajowe z życia szlachty. Pastorałki z pasterzami… Tematy tkane i biblijne. Oczywiście, aby otrzymać prawdziwe dzieło sztuki, rzemieślnik musi mieć niezwykły talent artystyczny. A to nie zawsze się zdarzało. Początkowo arrasy tkali zamkowi pustelnicy - żony i córki książąt udzielnych. Szlachetne panie według rangi nie powinny wykonywać czarnych prac domowych, ale jakoś trzeba umilić długie dni i miesiące od turnieju do turnieju. Ale kiedy modne stały się tkane, wzorzyste płótna, kiedy każda szlachecka rodzina chciała ozdobić wysokie, zimne sale drogocennymi gobelinami, ten biznes przyciągał prawdziwych artystów. I rzemieślników. Słabe ręce księżniczek i ich wieszaki mogły stworzyć tylko jeden gobelin w całym ich krótkim życiu. I było och, och, ile ścian należało ocieplić i udekorować.

A produkcja gobelinów przestała być rękodziełem, przeniesiona do warsztatów z maszynami przeznaczonymi do dużych gobelinów. Teraz specjalny artysta stworzył szkic, na jego podstawie powstał szablon i zostały nad nim utkane.

Nawiasem mówiąc, samo słowo gobelin, które jest synonimem gobelinów, pochodzi od imienia rodziny Gobelinów, która w połowie XV wieku. osiadł na przedmieściach Paryża Saint-Marseille i stał się słynną „Królewską Manufakturą Gobelinów”.

Piotr I nie zawiódł nawet tutaj - zaprosił francuskich mistrzów do Petersburga, a oni założyli pierwsze studio gobelinowe w Rosji.

Tektury na gobeliny stworzyli tacy artyści jak Francois Boucher, Fernand Leger, Salvador Dali, Wassily Kandinsky, Matisse, Picasso, Braque, Chagall.

Teraz styl hi-tech przeniknął do sztuki gobelinu. Współcześni artyści tworzą neutralne obrazy, które pasują do każdego wystroju. Wartość artystyczna nowoczesnych gobelinów jest nieporównywalna ze starymi, ale dobrze, że w dzisiejszych minimalistycznych mieszkaniach jest miejsce na jasny punkt tekstylny.

Historia gobelinu jeszcze się nie skończyła… Co więcej, znów wpadł w ręce szwaczek. Aby stworzyć własne, ręcznie robione panele ścienne, wystarczy mieć mocną ramę i różnokolorową przędzę z dowolnych, bardzo różnych włókien. Tak, dużo cierpliwości. Na zwykłej ramie za pomocą widelca można tworzyć kopie starych gobelinów eksponowanych w słynnych muzeach na całym świecie - do dekoracji salonu. Albo obrusy i zasłony. Albo narzuty i poduszki do sypialni, pluszowe zabawki i kolorowe poduszki do pokoju dziecinnego - z elfami, misiami, kaczuszkami.

Koraliki nie są rzucane, ale opuszczane

Koraliki z epoki kamienia nie są jeszcze koralikami. Nie mienią się tajemniczo, nie mienią się wielobarwną tęczą. Szklane paciorki pojawiły się znacznie później.

Bezpośredni poprzednicy koralików - szklanych paciorków - zdobili ubrania starożytnych egipskich faraonów. Również nomadzi Sarmaci i Scytowie na długo przed narodzeniem Chrystusa nosili ubrania i buty obszyte małymi szklanymi kulkami. Krawędzie rękawów, piersi koszul, nawet spodnie błyszczały i dzwoniły. Nie wspominając o paskach i czapkach.

Pierwsze informacje o koralikach w ubraniach Rosjan pochodzą z IX-XII wieku. Ale to było importowane. W tamtym czasie nie produkowali własnych w Rosji.

Najlepsze koraliki w Europie powstały na weneckiej wyspie Murano. A także - różnorodne naczynia, lustra, koraliki, guziki. Handel tym produktem przyniósł republice kolosalne zyski. Szkło weneckie chętnie kupowane były przez kraje Afryki Wschodniej, kraje europejskie, a następnie Amerykę.

Nawiasem mówiąc, słynny nawigator Marco Polo był synem słynnego wówczas mistrza koralików. A podczas swojej długiej podróży nie zapomniał szczególnie zainteresować się zagraniczną biżuterią szklaną - aby później wykorzystać te informacje do rozszerzenia produkcji mojego ojca.

Weneccy mistrzowie ściśle strzegli swoich tajemnic. Obecnie wiadomo, że koniecznie dodawali sodę do piasku, z którego gotowano masę szklaną. A potem… Na mistrzów, którzy sprzedali tajemnicę za granicę, czekała okrutna kara – zostali uznani za zdradę stanu, zabici.

Ale nie tylko marchewką, rząd Republiki Weneckiej powstrzymywał także szklarzy. Otrzymały wyłączny przywilej - córki rzemieślników mogły poślubić patrycjuszy. Władze przymykały oko na rabunek, który panował na Murano. Ale hutnicy również nie gardzili rabunkiem. W swoich „Wspomnieniach” D. Casanova przypomniał, że goście, którzy nocowali w hotelu na Murano, mogli zapłacić za takie zaniedbania nie tylko portfelem, ale także życiem.

Wenecja zdołała utrzymać monopol na produkcję koralików do końca XVII wieku. A potem czescy rzemieślnicy zaczęli produkować własne „leśne szkło” (wpadli na pomysł dodawania potażu do piasku), a czeskie koraliki zastąpiły weneckie.

W Rosji uwielbiali haftować koralikami. I sprowadzili go z zagranicy w tysiącach pudów. Próbowali też produkować własne - w 1670 r. we wsi Izmailovo zorganizowano warsztat do robienia koralików. Ale wtedy nie było możliwe rozpoczęcie masowej produkcji. Następnie M. V. Łomonosow postanowił dostarczyć Rosji koraliki. I zorganizował fabrykę Ust-Rudick w 1754 roku. Ale po śmierci Michaiła Wasilicha produkcja została ograniczona. Koraliki nadal kupowano za granicą.

I dopiero w XIX wieku w Rosji zaczęły działać huty szkła. Najlepsze koraliki zostały wyprodukowane w Odessie, w fabryce Roniger.

Koraliki i trąbki (koraliki podłużne) - materiał na damską biżuterię i robótki ręczne. Ale był czas, kiedy błyszczące szklane ziarna były również używane do dekoracji wnętrz. Tak więc w niektórych pokojach Kremla moskiewskiego ozdobiono nim ściany. W zielonym pokoju carycy Natalii Kirillovnej po ścianach pokrytych zielonym płótnem hojnie wylewano trąbki. Ułożone w różnych kierunkach szklane cylindry mieniły się w blasku świec bogatymi, jasnymi odcieniami.

Dużo więcej wysiłku wymagało dekorowanie pomieszczeń, gdy trąbki nie były przyklejane, lecz przyszywane do materiału. Rysunek został naniesiony węglem drzewnym, ułożono na nim nitki szklanych koralików (dolne), pisało się na mocnej nitce i przyszyto do podłoża ściegami przechwytującymi. Ten rodzaj haftu nazywany jest szyciem pin-on.

Tematyczne kompozycje wykonane w tej technice nazwano „tapetą francuską”. Tak udekorowano „szklany paciorkowy” gabinet pałacu w Oranienbaum.

Nawiasem mówiąc, sama Katarzyna II brała udział w tworzeniu paneli ściennych. Wielka cesarzowa nie była obca jej pasji do robótek ręcznych.

Zdobiony perłami

Ale nie należy myśleć, że przed pojawieniem się paciorków narody Imperium Rosyjskiego chodziły w obskurnym posiłku. Wręcz przeciwnie, jeszcze bardziej stylowo ozdabiali swoje stroje - perłami. Zwłaszcza kapelusze. Kokoszniki kobiet z północnych prowincji były bogato haftowane małymi rzecznymi perłami, złotym haftem i kolorowym szkłem. Szczególnie kochano perły, ponieważ były bardzo przystępne cenowo. W północnych rzekach i jeziorze Ilmen znaleziono liczne małże słodkowodne.

Szycie pereł znane jest w Rosji od X wieku. A kiedy zaczęto używać koralików w strojach ludowych, rzemieślniczki stosowały te same metody pracy z nimi, co przy szyciu pereł. Perły umieszczano albo na bawełnianym sznurku (szycie na sznurku), albo na białej konopnej lub bawełnianej nici (szycie na lnie), dzięki czemu obraz stał się wypukły.

Teraz takie korony-kokoshniki, godne tylko księżniczki łabędzi, niestety, nie są noszone. Ale nie należy myśleć, że teraz nie ma potrzeby obniżać koralików i pereł. Spójrz na swoją córkę w tanich turecko-chińskich bombkach i powiedz jej: „Zróbmy to razem, piękniejsza”.

Artysta zobrazował nam …

Szycie z koralików i pereł nie zaczynało się od zera. Wcześniej kobieta nauczyła się szyć i haftować prostą nicią. I do tej pory nie zapomnieliśmy o tej nauce.

Haftem artystycznym zajmowały się antyczne matrony i getry, lubiły to szlachetne damy średniowiecza. Był wysoko ceniony przez kulturę chrześcijańską i przystosowany do dekoracji świątyń Bożych. Miłośnicy Chrystusa mieszczanie i wiejskie kobiety od lat haftują jedwabiem całuny na świątynie. Zajęcie to było nie tylko fascynującym rzemiosłem, ale także dowodem wysokiej moralności parafian.

W Rosji haft był używany do ozdabiania zarówno artykułów gospodarstwa domowego - ręczników, obrusów, ubrań - jak i całunów kościelnych, całunów, szat duchownych. Kiedy Piotr otworzył okno na Europę, rosyjskie szwaczki wzbogaciły tematykę swoich haftów o tematy z europejskich obrazów i gobelinów. Kompozycje kwiatowe, pejzaże, pastorałki, sceny rodzajowe popularne we Francji, Niemczech, Belgii i Holandii pojawiły się również w rosyjskich wnętrzach.

I dopiero burzliwy wiek XX ze swymi osiągnięciami technicznymi, wojnami i przewrotami społecznymi osłabił nasze przywiązanie do haftu.

Ale w ogóle nie zabił. Szwaczki wciąż próbowały ozdobić swoje życie, swój dom, nieważne jak biedny był, haftem. Nawet w tych latach, kiedy piękne nici nie były dostępne, rzemieślniczki uzyskiwały niezbędne środki do zapewnienia domowego komfortu ze starych rajstop, wielobarwnych łat.

I teraz! Jakie miejsce na wyobraźnię. Zamroź na krótko przed pudełkami z nicią w sklepie z artykułami suchymi. Chcę tylko od razu kupić płótno wszystkich rozmiarów, tamborki, igły i całą tęczę kolorowych jedwabistych ramek. I za ich pomocą zobrazuj fabułę z życia baśniowych stworzeń, wzruszającego krajobrazu lub jasnego ornamentu na obrusie z serwetkami …

Lub podążaj śladami wielkiego artysty i przenieś na tkaninę niegasnącą Madonnę Rafaela lub zmysłowe szaleństwo Van Gogha…

Rozdrobnić na strzępy

Szycie klapek jest prawdopodobnie najwcześniejszym ze wszystkich. Pojawił się wraz z materiałem. Dopiero wtedy nie postrzegano go jako osobnego rękodzieła. Tyle, że każdy kawałek płótna czy wełny był bezcenny i każdy kawałek trafił do biznesu. Nawet jeśli był to nieco inny kolor, używano go przy szyciu ubrań czy robieniu narzut, poszewek na poduszki. Kolorowe kawałki nadawały się również do ozdabiania przedmiotów. Znaleziono aplikacje wykonane 3000 lat temu.

Jako niezależny rodzaj sztuki dekoracyjnej i użytkowej mozaika patchworkowa powstała w Anglii w pierwszej połowie XVIII wieku. Potem zaczęli przywozić do kraju indyjskie perkale o pięknych kolorach i wzorach. Posiadanie indyjskiego koca w domu było uważane za oznakę bogactwa. Ale rząd Anglii, dbając o własne fabryki wełny i jedwabiu, zakazał importu indyjskich tkanin. Oczywiście to nie powstrzymało przemytników, ale perkal stał się rzadki i drogi. Oszczędne gospodynie, wycinając z niego ubrania, nie wyrzucały resztek. Wyroby lniane lub wełniane ozdobiono jasnymi aplikacjami. Wiele małych kawałków zostało użytych do stworzenia pięknych patchworkowych kołder.

Wraz z osadnikami ten rodzaj rękodzieła przybył do Ameryki i stał się narodową formą sztuki. Kołdra jest niezbędna w tradycyjnym amerykańskim domu.

Idea geometrycznego doboru wielobarwnych kawałków materiału wywodzi się raczej z haftu. Na przykład ozdoby. Lub z nie mniej starożytnej sztuki kompozycji mozaikowych. Nie bez powodu szycie z łaty nazywa się „patchworkową mozaiką”.

Obecnie to rękodzieło nie jest już uważane za wyjście z trudnych sytuacji życiowych. Stała się formą sztuki. Ekspozycje muzeów w krajach takich jak USA, Niemcy, Szwecja, Szwajcaria, Australia zawierają całe kolekcje produktów wykonanych w stylu techniki patchworkowej - patchworku. Taka kolekcja znajduje się w Wszechrosyjskim Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej.

Powodem pojawienia się patchworku w Rosji była oczywiście bieda. Z resztek starych ubrań kobiety próbowały zrobić nowe. Albo zrobić coś innego, potrzebnego w życiu codziennym. Rzeczy były szyte, przerabiane, odnawiane. Ścinki zostały posortowane: wszystko, co nadało się do szycia, trafiło do patchworkowych kołder, zasłon; ścieżki tkano z bardzo zniszczonych, szyto frotte. „Mali” chłopcy i dziewczynki do ośmiu lat nie mieli w ogóle nosić nowych ubrań, musieli przerabiać rzeczy dorosłych członków rodziny.

Do XVIII wieku ubrania w Rosji były robione głównie z lnu tkanego w domowej tkalni. Długa i żmudna praca, od uprawy lnu po produkcję tkanin, sprawiła, że człowiek był oszczędny. Dlatego zarówno krój odzieży ludowej, jak i techniki jej szycia zakładały bezodpadowe wykorzystanie materiału.

Cóż, kiedy pojawił się perkal, rozpoczęło się znaczące wzbogacenie tradycji patchworku. Tanie, praktyczne, kolorowe tkaniny chętnie wykorzystywano nie tylko u chłopów, ale także w miejskich domach: szyli z nich ubrania, a patchworkowe kołdry z wielobarwnych resztek. Z czasem tradycje patchworku ustąpiły miejsca przemysłowej produkcji odzieży i artykułów gospodarstwa domowego. I tylko nieliczni entuzjaści nadal szyli patchworkowe kołdry i tkali kolorowe dywaniki.

Teraz patchwork powraca w modzie. Jeśli traktujesz to szycie poważnie, możesz robić wspaniałe rzeczy, od dywanów i koców po bluzki, kamizelki i kurtki.

Patchworkowe przedmioty przyciągają uwagę różnorodnością i wielokolorowością. Nadają się do dekoracji kuchni (serwetki, rękawice kuchenne, obrusy), sypialni (poszewki, koce, narzuty) czy salonu (panel dekoracyjny), a także jako dodatki (torebka, portfel) lub odzieży (elegancki letni garnitur lub pikowana kamizelka).

Przyjrzyj się bliżej starym rzeczom, pozostałościom długo noszonej bluzki czy dziecięcej sukienki. Z jasnych strzępów, ciętych świadomie i odważnie, możesz stworzyć niesamowite abstrakcyjne płótno, które będzie pasować do najbardziej wyeksponowanego miejsca w salonie. Stanie się przedmiotem twojej prawowitej dumy. I białą zazdrość o twoje zdolności tych, którzy nie znaleźli zastosowania dla swoich zapasów zbędnych szmat.

A ile jeszcze równie ciekawych, pochłaniających całą esencję działań, jakie istnieje na świecie. Opcjonalne, ale bardzo uzależniające. Batik, makrama, aplikacja, tkanie z kory brzozowej …

Moim zdaniem to wszystko jest o wiele lepsze niż jakiekolwiek nowe środki pasywne, środki uspokajające, narkotyki i środki uspokajające. To delikatny odpoczynek i przytulna cisza… To olejek na poruszone nerwy i wyjście z najbardziej rozpaczliwych sytuacji. A także - to żywe poczucie inspiracji, podekscytowania. Szukaj. Kreatywność. To umiejętność bycia kreatywnym odróżnia nas, ludzi, od innych stworzeń tego świata.

Twórz i znajduj…